Poulenc, francesco (1899-1963)

Compositore francese.

Un amico di Francis Poulenc una volta dichiarò: "in lui c'è parte del monaco e parte del mascalzone". In effetti, Poulenc potrebbe essere il paradosso più delizioso della musica del ventesimo secolo. La sua enorme opera spazia dal sacro al osé, ma ogni pezzo parla con la stessa voce coinvolgente. A differenza di molti colleghi, Poulenc si esibiva costantemente, il che lo teneva in contatto con gli spettatori, e non si sentiva mai obbligato a reinventarsi o ad adottare metodi alla moda come il serialismo. Invece, ha preferito creare, evolversi ed essere semplicemente chi era. Così Poulenc divenne uno dei compositori più stimati al mondo quando la musica d'arte spesso sembrava indifferente al suo pubblico.

Le basi per lo stile unico di Poulenc si formarono presto. Suo padre, un devoto cattolico della Francia meridionale che dirigeva la compagnia farmaceutica Rhône-Poulenc, amava la musica orchestrale e l'opera, in particolare quella dei compositori francesi Hector Berlioz e Jules Massenet. Sua madre, la cui famiglia era parigina, suonava al pianoforte la musica di Wolfgang Mozart e Frédéric Chopin ed esponeva suo figlio all'arte, al balletto, alla letteratura e alla musica, instillando passioni sostenute per tutta la vita. A quattordici anni, Poulenc ha iniziato gli studi di pianoforte con Ricardo Viñes, che lo ha introdotto alla più recente musica francese, spagnola e russa e ha incoraggiato i suoi sforzi nella composizione. Nel 1917 i genitori di Poulenc erano morti, ma un'eredità gli consentì di dedicarsi alla musica. Non riuscendo a entrare al Conservatorio di Parigi quell'anno, Poulenc fu chiamato a difendere la Francia, ma la sua musica distintiva aveva già iniziato a guadagnare attenzione. Alla fine della prima guerra mondiale, Poulenc conobbe lo scrittore Jean Cocteau, la cui collaborazione con Erik Satie, Pablo Picasso e i Ballets Russes nel balletto Parata (1917) aveva attratto molti giovani musicisti. La loro estetica rifiutava il romanticismo, il wagnerismo e l'impressionismo, enfatizzando invece semplicità, chiarezza e "sensibilità francese". Durante l'euforico ed esilarante dopoguerra a Parigi, sei di questi Nuova giovinezza (nuova giovinezza, giovani emergenti) —Darius Milhaud, Louis Durey, Georges Auric, Arthur Honegger, Francis Poulenc e Germaine Tailleferre — furono evidenziati nel 1920 dal giornalista Henri Collet, che li chiamò I sei, confrontandoli con I cinque russi (I cinque russi). Come compositori, I sei avevano stili diversi, ma la loro amicizia e interesse per movimenti artistici come il cubismo, il surrealismo e il fauvismo favorirono l'incoraggiamento reciproco e attirarono la pubblicità. Autodidatta come compositore, Poulenc studiò con il collega compositore Charles Koechlin dal 1921 al 1925 per migliorare la sua tecnica, anche se la sua fama cresceva. Da queste influenze e circostanze, Poulenc ha sviluppato uno stile che era energico, lirico e colorato, oltre che spontaneo, divertente e provocatorio, ma soprattutto personale ed espressivo.

Poulenc ha guadagnato presto fama con opere per pianoforte solo, ma i generi collaborativi sembravano ispirarlo di più. La sua musica da camera comprende sonate per violino (1943), violoncello (1948), flauto (1957), clarinetto (1962) e oboe (1962), oltre a opere per diverse combinazioni di strumenti e / o voci. Con 137 melodie, molti scritti per il suo amico e collaboratore assiduo, il baritono Pierre Bernac, il contributo di Poulenc al genere vocale intimo francese è paragonato nel XX secolo solo a quello di Gabriel Fauré. Eppure la creatività di Poulenc potrebbe anche essere estroversa, come dimostrano i concerti per cembalo (1928), due pianoforti (1932), l'organo (1938) e il pianoforte (1949). L'osceno Chances galliardes (1926; Canzoni di Ribald) così come l'affascinante La storia di Babar (1945; Story of Babar) rappresentano altri aspetti della sua natura estroversa.

I lavori di Poulenc per il palcoscenico potrebbero essere i suoi successi più importanti. I primi balletti Hinds (1923; Le cerve) consolidò la sua reputazione di provacateur innovativo. Nell'opera, la sua farsa comica Mammelle di Tiresia (1944; I seni di Tiresia), il dramma storico Dialoghi dei Carmelitani (1957; Dialogues of the Carmelites), e una tragedia, La voce umana (1958; La voce umana), annoverato tra i drammatici punti di riferimento del ventesimo secolo. Eppure Poulenc potrebbe essere stato più orgoglioso della sua musica sacra. Il suo Litanie alla Madonna Nera (1936; Litanie alla Vergine Nera), Massa (1937), e Stabat Mater (1950; Addolorata madre) rappresentano contributi sorprendentemente originali ma sentiti alla letteratura corale cattolica.

Durante i suoi ultimi quindici anni Poulenc ha visitato spesso gli Stati Uniti per concerti della sua stessa musica ed è stato toccato e rinvigorito dall'accoglienza ricevuta. Il suo Gloria (1959), commissionato dalla Koussevitzky Foundation e presentato in anteprima dalla Boston Symphony, più il suo Sette risposte dell'oscurità (1962; Seven responses for tenebrae), commissionato dalla New York Philharmonic per celebrare l'apertura del Lincoln Center, testimonia un affetto caloroso e reciproco. Poulenc una volta disse: "Soprattutto, non analizzare la mia musica: amala" (Bernac, p. 13). Sembra chiaro che gli americani, così come i francesi, e in effetti gli amanti della musica di tutto il mondo, hanno abbracciato la sua arte come desiderava.